Arte alemán: 1930-45

Arte alemán: 1930-45

  • Karl Arnold
  • Lucian Bernhard
  • Gustav Brandt
  • Otto Dix
  • Hans Rudi Erdt
  • Elk Eber
  • Fritz Erler
  • Julius Gipkens
  • George Grosz
  • Olaf Gulbransson
  • John Heartfield
  • Thomas Heine
  • Ludwig Hohlwein
  • Hermann Otto Hoyer
  • Anton Hackenbroich
  • Arthur Johnson
  • Kathe Kollwitz
  • Emil Nolde
  • Bruno Paul
  • Erich Schilling
  • Hans Schweitzer
  • Paul Schultze-Naumburg
  • Eduard Thony
  • Walter Trier
  • Adolf Wissell
  • Adolf Ziegler
  • Exposición de arte degenerado
  • Gran exposición de arte alemán

El Tercer Reich, 1933-1945

Cuando Hitler finalmente se convirtió en canciller, el 30 de enero de 1933, no fue en la cresta de una ola de apoyo popular, sino como resultado de la intriga política oculta de Schleicher, Papen y el hijo del presidente, Oskar von Hindenburg. Solo Hitler, creían, podía unir una coalición con el DNVP de Hugenberg y posiblemente el Partido del Centro que podría tener la mayoría en el Reichstag. Aseguraron al renuente presidente que las tendencias radicales de Hitler serían controladas por el hecho de que Papen ocuparía la vicecancillería y que otros conservadores controlarían los ministerios cruciales, como los de guerra, relaciones exteriores y economía. Los propios nazis estaban restringidos a ocupar la cancillería y el insignificante ministerio federal del interior. Como recompensa a los nazis, a Hermann Göring se le otorgó el estatus de ministro, pero aún no se le otorgó una cartera; significativamente, se convirtió en ministro del Interior en el estado de Prusia, lo que le dio el control de la fuerza policial más grande de Alemania.

Los nazis profesaban una ideología, el nacionalsocialismo, que pretendía defender al hombre común, a quien retrataban como una víctima en un mundo controlado por judíos. El antisemitismo y las nociones de superioridad racial alemana estaban en el centro de esta ideología, que, en sus particulares, era también un catálogo de resentimientos que se habían acumulado en la sociedad alemana desde noviembre de 1918. Encabezando la lista estaban las humillaciones asociadas con Versalles, pero no muy lejos estaban los resentimientos hacia las grandes empresas, los grandes bancos, los grandes almacenes y los grandes trabajadores, así como los resentimientos por las divisiones e ineficiencias que los partidos políticos parecían fomentar.

Ni el programa del partido de 25 puntos de 1920 ni el manifiesto político autobiográfico de Hitler, MI lucha ("My Struggle", 1925), contenía concepciones claras de la forma que tomaría la política y la sociedad alemanas bajo los nazis, pero Hitler y sus propagandistas habían comunicado claramente que los cambios serían fundamentales y se producirían a expensas de los enemigos raciales de Alemania. Los alemanes racialmente superiores debían reunirse en un grupo muy unido Volksgemeinschaft, o comunidad racial, en la que las divisiones de partido y de clase se trascenderían en un espíritu de armonía racial, una armonía que necesariamente excluiría a las personas de sangre inferior. Este objetivo requería lógicamente una solución a lo que los nazis llamaban "el problema judío". Como mínimo, pedía una inversión de la tendencia, de más de un siglo, de asimilación judía en la supuestamente superior nación alemana y en la vida cultural y económica alemana. En cuanto a la posición de Alemania en los asuntos internacionales, Hitler había hablado durante mucho tiempo de la necesidad de Alemania de un espacio vital adicional ( Lebensraum) en el este. Primero, sin embargo, existía la continua necesidad de romper las cadenas del odiado Tratado de Versalles.

Si los nazis tendrían alguna vez la oportunidad de implementar sus objetivos ideológicos dependía, cuando Hitler se convirtiera en canciller, de si serían capaces de reforzar su inicialmente tenue control sobre las riendas del poder. Los liberales, socialistas y comunistas seguían oponiéndose acérrimamente a Hitler. Segmentos importantes del negocio, el ejército y las iglesias sospechaban en diversos grados de las medidas que podía tomar. Fue una combinación, finalmente, de la audacia y brutalidad de Hitler, de las debilidades de sus oponentes y de numerosos casos de extraordinaria buena suerte lo que le permitió establecer su dictadura totalitaria. Cuando el Partido del Centro se negó a unirse a la coalición Nazi-DNVP en enero de 1933, Hitler exigió elecciones para un nuevo Reichstag. Las elecciones del 5 de marzo de 1933 fueron precedidas por una campaña brutal y violenta en la que las tropas de asalto nazis bajo el mando de Ernst Röhm ocuparon un lugar destacado. Hitler también pudo aprovechar el incendio del Reichstag (probablemente obra de un comunista holandés solitario y trastornado) del 27 de febrero para suspender las libertades civiles y arrestar a los líderes comunistas y de la oposición. A pesar de esta campaña de terror, los nazis no obtuvieron la mayoría, obteniendo solo el 43,9 por ciento del total. Sin embargo, el 8 por ciento adquirido por el DNVP fue suficiente para que los dos partidos obtuvieran la mayoría en el Reichstag. En su primera reunión, el 23 de marzo, el nuevo Reichstag, bajo gran presión de las SA y las SS (Schutzstaffel "Protective Echelon"), el cuerpo de élite de los nazis encabezado por Heinrich Himmler, votó a favor de la Ley de Habilitación que permitió a Hitler ignorar la constitución y otorgar a sus decretos el poder de ley. De esta manera, los nazis establecieron el régimen que llamaron Tercer Reich, el presunto sucesor del Sacro Imperio Romano Germánico (el Primer Reich) y del Imperio Alemán gobernado por los Hohenzollern desde 1871 hasta 1918 (el Segundo Reich).

Los poderes decretados fueron la base pseudolegal desde la que Hitler llevó a cabo los primeros pasos de la revolución nazi. Dos semanas después de la aprobación de la Ley de Habilitación, se envió a los gobernadores nazis para alinear a los estados federales y, unos meses después, los propios estados fueron abolidos. El 7 de abril de 1933, los nazis comenzaron a purgar el servicio civil, junto con las universidades, de comunistas, socialistas, demócratas y judíos. El 2 de mayo, los sindicatos fueron disueltos y reemplazados por lo que los nazis llamaron un Frente Laboral. Mientras tanto, Göring había comenzado a transformar el brazo político de la policía prusiana en una policía política secreta, la Gestapo (Geheime Staatspolizei), para servir a la causa nazi, un proceso que Himmler estaba duplicando con la policía bávara.

La brutalidad con la que Hitler enfrentó cualquier supuesto desafío a su autoridad se hizo dramáticamente evidente cuando el 30 de junio de 1934 ordenó el asesinato de la dirección de las SA. Los matones de las tropas de asalto callejeras de Röhm habían proporcionado músculos útiles durante los largos años de lucha del partido, pero Hitler temía que su continua inclinación por la rebeldía pudiera invitar a la intervención del ejército y con ello a su propio derrocamiento. Para evitar esta posibilidad, Hitler contrató al leal Himmler, quien usó su SS durante la llamada "Noche de los cuchillos largos" para purgar a las SA de docenas de sus principales líderes, incluido el viejo amigo de Hitler, Röhm. El penúltimo paso en la toma del poder por parte de Hitler se produjo el 2 de agosto de 1934, cuando, tras la muerte del presidente Hindenburg, se apropió de los poderes de la presidencia y los combinó con los suyos propios como canciller. El paso final se produjo en febrero de 1938 cuando Hitler tomó el mando personal de las tres ramas de las fuerzas armadas alemanas.


Arte nazi (c.1925-45)


1940 Cartel litográfico de los nazis
película de propaganda & quot; El judío eterno & quot.
La película estaba destinada a representar la
Judíos como agresores peligrosos que
tuvo que ser exterminado. Argumentó que
matar judíos no es un crimen, sino un
necesidad, similar a matar ratas para
preservar la salud y la limpieza.


Una ilustración en el libro infantil.
llamado El hongo venenoso.
Lleno de propaganda antisemita,
el libro fue publicado por el
infame engañador judío Julius Streicher
en 1938, con ilustraciones de Philipp
Rupprecht. El texto es de Ernst Hiemer
y dice: & quot; así como es difícil de decir
una seta de un hongo comestible,
a menudo es difícil reconocer al judío
como estafador y criminal. & quot

El término "arte nazi" se usa comúnmente para describir varios tipos de arte, creado en Alemania o en los territorios ocupados alemanes durante el período aproximado 1925-45, que recibió la aprobación de las autoridades nazis. La arquitectura, el cine, la fotografía y los carteles, junto con la escultura, fueron especialmente favorecidos por Hitler y su ministro de Cultura y Propaganda, Joseph Goebbels, en gran parte debido a su valor propagandista. Entre los principales artistas nazis se encontraban el arquitecto Albert Speer (1905-81), el director de cine Leni Riefenstahl (1902-2003), el escultor Arno Breker (1900 & # 1501991) y el cartelista Hans Schweitzer (más conocido como Mjolnir). (1901-80), todos los cuales sobrevivieron a la guerra y vivieron hasta una edad avanzada, a diferencia de los 11 millones de víctimas del Holocausto cuyo destino fue moldeado por el arte propagandista nazi de los años treinta y principios de los cuarenta. El arte aprobado por los nazis se clasifica como una de las tres categorías principales de arte del Holocausto: las otras son obras creadas por presos o testigos del campo y monumentos conmemorativos de la posguerra.

Nota: la palabra "Nazi" proviene de las dos primeras sílabas de la pronunciación alemana de la palabra "nacional". Se refiere a los miembros del Partido Nacionalsocialista de los Trabajadores Alemanes NSDAP (National Sozialistische Deutsche Arbeiterpartei).

Características del arte nazi

En una frase, el modelo básico del arte nazi era el del arte clásico griego y romano, un idioma heroico y romántico que (pensaba Hitler) encarnaba perfectamente el ideal racial ario. El objetivo principal del arte nazi era promover la ideología nazi y defender la lucha nacionalsocialista. Por ejemplo, durante los años 30, el objetivo principal de Hitler era crear la ilusión de un estado alemán todopoderoso, el llamado "Reich de los Mil Años", para intimidar a sus ciudadanos e impresionar a sus vecinos europeos. La arquitectura nazi fue especialmente valiosa para ayudar a transmitir la impresión de poder y permanencia. Estas cualidades se realizaron mediante el uso de estructuras gigantes construidas al estilo de la arquitectura neoclásica, como los edificios triunfalistas romanos de la antigüedad. Ejemplos notorios de la arquitectura nazi incluyen: el estadio Zeppelinfeld utilizado para albergar los mítines de Nuremberg, el Estadio Olímpico de Berlín, el Pabellón Alemán para la Feria Internacional de 1937 en París y la Cancillería del Nuevo Reich en Wilhelmstrasse. Las nuevas técnicas incluyeron el uso de docenas de reflectores que brillan verticalmente hacia arriba para crear la impresionante "catedral de luz" de Speer.

Los carteles eran otra forma de arte importante y una característica fundamental de la propaganda callejera nazi. Fueron cuidadosamente diseñados para influir en la opinión pública mediante el uso de imágenes y motivos estereotipados, como el judío de nariz ganchuda y la vigorosa rubia aria. Fueron usados ​​(Entre otros) para denigrar a los judíos, promover películas y exhibiciones antisemitas, reclutar voluntarios de las SS, asustar a la población con la amenaza bolchevique y movilizarla para la guerra total. Irónicamente, en sus colores, motivos e iconografía general, los carteles nazis son sorprendentemente similares al estilo soviético del realismo socialista; de hecho, el nombre & quot; realismo quoteroico & quot se usa a menudo para describir ambos.

La escultura fue otro tipo importante de arte público explotado por los nazis. Se usó principalmente en un contexto arquitectónico, como la enorme águila colocada en la parte superior del pabellón alemán en París (1937), que miraba hacia el pabellón soviético más pequeño de enfrente. Otros ejemplos incluyen "El Partido" y "El ejército", dos estatuas de Arno Breker (que reemplazó a Josef Thorak como el principal escultor nazi) que se colocaron en la entrada de la Cancillería del Nuevo Reich de Speer en Berlín.

La pintura fue mucho menos importante en el Tercer Reich, aunque el género fue un objetivo importante de la campaña de Hitler contra el llamado arte degenerado (entartete kunst), supervisado por su pintor favorito Adolf Ziegler (1892-1959). El mensaje básico era: "el arte moderno" no tenía cabida en la Alemania nazi. Solo pinturas tradicionales, que defienden los valores de la pureza racial, Heimat (amor por la patria) y otros valores & quot; volk-ish & quot; se consideraron aceptables. El estilo aprobado era similar al del arte académico convencional, es decir, pintura realista romántica basada en modelos clásicos. La principal razón detrás de esto fue la creencia de Hitler de que, aunque moderno el arte fue completamente corrompido por la influencia judía - las formas griegas y romanas no estaban contaminadas. A partir de 1933, los funcionarios de la Cámara de Cultura del Reich se propusieron metódicamente prohibir a la mayoría de los artistas modernos exhibir, incluso practicar, su arte. La campaña culminó en julio de 1937 con una gran exposición de unas 700 obras "degeneradas" en el Hofgartenarkaden de Múnich. Pintores cuyas obras fueron prohibidas de esta manera incluyeron: Edvard Munch (1863-1944) un pionero del expresionismo Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) líder de Die Brucke Wassily Kandinsky (1866-1944) líder de Der Blaue Reiter el judeo-ruso los pintores Marc Chagall (1887-1985) y Chaim Soutine (1893-1943) los alemanes Otto Dix (1891-1969) y George Grosz (1893-1959), miembros de Die Neue Sachlichkeit, el austriaco Oskar Kokoschka (1886-1980) también como Pablo Picasso (1881-1973) y Modigliani (1884-1920). Para otras víctimas de la maquinaria cultural nazi, véase también Herwarth Walden, fundador de la Sturm Gallery and Magazine en Berlín.

Podría decirse que la forma más insidiosa de arte nazi fue la ilustración en ciertos libros para niños, como el libro antisemita, & quot; El hongo venenoso & quot (Der Giftpilz) (1938). Otros gráficos notorios incluyeron el vil arte de caricatura creado para el periódico de Julius Streicher. Der Sturmer, por caricaturistas como Philipp Rupprecht (1900-75), algunos de los cuales resultaron demasiado toscos incluso para Goebbels.

Pero la forma más potente de arte nazi fue el cine. El supremo de la cultura del Tercer Reich, Joseph Goebbels, mantuvo estrechas relaciones con numerosos directores de cine para crear largometrajes y noticiarios de gran eficacia. Películas notorias incluidas & quot; El judío eterno & quot (Der ewige Jude), que yuxtaponía escenas de ratas agrupadas con multitudes de judíos. Menos toscas pero más manipuladoras fueron las películas de propaganda realizadas por Leni Riefenstahl (1902-2003), en particular: & quot La victoria de la fe & quot (Der Sieg des Glaubens), una película del Rally del Partido de Nuremberg en 1933 & quot Triumph of the Will & quot (Triumph des Willens) una película sobre el Rally de Nuremberg en 1934 y & quotOlympia & quot, un documental de propaganda sobre los Juegos Olímpicos de 1936. La fotografía documental también se usó (o, mejor dicho, se usó incorrectamente) para promover la ideología nazi. Además de fotógrafos de la corte como Heinrich Hoffmann (1885-1957), otros artistas de la cámara fueron empleados en una variedad de proyectos de propaganda, como la fotografía de judíos deformes o discapacitados, para transmitir la impresión de que representaban la norma de su raza. .

Autoridades culturales alemanas

En septiembre de 1933, pocos meses después del nombramiento de Hitler como Canciller del Reich, una nueva Cámara de Cultura del Reich (Reichskulturkammer) se estableció bajo Joseph Goebbels, el nuevo ministro de Ilustración Pública y Propaganda. Se establecieron subdepartamentos separados para regular la prensa, la edición de libros, el cine, el teatro, la música y las artes visuales. La función del Reichskulturkammer era alentar y acelerar la arianización de la cultura alemana y prohibir formas de arte sin sentido & quot; de inspiración judía & quot, como el expresionismo (en el que Alemania había liderado el mundo), el surrealismo y el cubismo (dos estilos fuertemente asociados con París), el jazz y la música blues (principalmente Americano). De hecho, casi todo el arte de vanguardia fue visto instantáneamente como contaminado por el judaísmo y prohibido.

Para ejercer control sobre las artes visuales y garantizar que los artistas cumplieran con las nuevas directrices nazis, solo los artistas que eran miembros de la Cámara de Cultura del Reich podían practicar su arte. Mientras tanto, la campaña nazi contra el arte degenerado estaba ocupada confiscando unas 16.000 obras de los mejores museos y galerías de arte de Alemania.

Al estallar la guerra en septiembre de 1939, muchos artistas se convirtieron en responsables de ser reclutados en las fuerzas armadas de Alemania (Wehrmacht). En 1943-4, para proteger a personas valiosas de la movilización militar, Goebbels elaboró ​​una lista de 36 páginas de artistas exentos, comúnmente conocida como la & quot; lista de los dones de Dios & quot (Gottbegnadeten lista). Incluyó un total de 1.041 artistas (artistas, arquitectos, cineastas, directores, cantantes y escritores) de los cuales 24 fueron designados como indispensables. Entre los profesionales creativos más valorados se encuentran los siguientes:

El arquitecto favorito de Hitler, más tarde Ministro de Armamentos, el talentoso Albert Speer reemplazó a Paul Ludwig Troost (1878-1934) (conocido por su diseño del Fuhrerbau y el Haus der Kunst en Munich) como el principal arquitecto nazi. Campeón del clasicismo en el arte, el primer gran encargo de Speer fue el Zeppelinfeld Estadio de Nuremberg: una estructura masiva inspirada en el Altar de Pérgamo, capaz de albergar a 340.000 personas, que mejoró dramáticamente por la noche al rodearlo con 130 reflectores antiaéreos (catedral de la luz). Otras comisiones importantes incluyeron la Cancillería del Nuevo Reich, con su Galería de Mármol de 146 metros de largo. Nombrado Inspector General de Edificios de Berlín, Speer elaboró ​​planos y modelos para corroborar las fantasías arquitectónicas de la posguerra de Hitler, antes de emprender tareas militares más mundanas de construir fortificaciones de hormigón y otras estructuras militares. Véase también Arquitectura del siglo XX en Europa y América.

Leni Riefenstahl (1902-2003)

Inspirada para convertirse en actriz después de ver un póster de la película de 1924 & quot; La montaña del destino & quot (Der Berg des Schicksals), Riefenstahl protagonizó cinco películas antes de encontrar su verdadera vocación, en 1932, como directora de cine. Hipnotizada por Hitler, quien se convirtió en un amigo personal, su mayor contribución al arte nazi fueron sus tres películas de propaganda que exaltaban a Hitler, al Partido Nazi, así como a los ideales gemelos de la fuerza aria y la belleza nórdica. Las películas fueron "La victoria de la fe", perfilando el Rally del partido de 1933, "Triunfo de la voluntad" sobre el Rally del partido en 1934 y "Olympia", repasando los logros deportivos alemanes en los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936. En febrero de 1937, durante una gira promocional por los Estados Unidos, Riefenstahl le dijo a un reportero del Detroit News: "Para mí, Hitler es el hombre más grande que jamás haya existido". En 1993, cuando fue entrevistado en relación con el documental "The Wonderful, Horrible Life". de Leni Riefenstahl & quot, negó cualquier sugerencia de que ella deliberadamente creó propaganda nazi.

Hans Schweitzer (Mjolnir) (1901-1980)

Schweitzer, más conocido como Mjolnir (& quot; martillo de Thor & quot) fue un artista notorio que creó numerosos carteles para el Partido Nazi bajo Adolf Hitler. Su gama de arte gráfico incluía caricaturas de enemigos nazis, especialmente judíos y comunistas. Ejemplos famosos de su trabajo incluyen: el cartel de 1940 que promociona la película antisemita "El judío eterno" y el cartel de 1943 posterior a Stalingrado sobre el tema "Victoria o bolchevismo". Fue nombrado Comisionado del Reich de Diseño Artístico y Presidente del Comité de Ilustradores de Prensa del Reich. Después de la guerra, fue multado con 500 marcos alemanes por sus actividades nazis.

El escultor favorito de Hitler, Arno Breker, trabajó para los nazis durante el período 1933-42, convirtiéndose en escultor oficial del estado en 1937. Hitler pensó que la estatua de Breker "El ejército" era la obra de arte plástico más hermosa jamás realizada en Alemania. Maestro de la escultura de bronce y también de la escultura de piedra, sus otras obras nazis importantes incluyeron: & quot; El Partido & quot, una encarnación figurativa del poder ario & quot.Zehnkampfer& quot, un decatleta olímpico & quotDie Siegerin& quot, una atleta ganadora, así como & quotLa Guardia & quot, & quot; El Guerrero & quot y & quot; Preparación & quot. Aunque destaca por un estilo de escultura neoclásica, ciertos rasgos de su obra recuerdan más al arte manierista del siglo XVI. Sorprendentemente, después de la guerra, Joseph Stalin le ofreció un trabajo, que rechazó. En 1948 fue clasificado oficialmente como "compañero de viaje" nazi y multado.

Adolf Ziegler (1892-1959)

Miembro pionero del Partido Nazi desde principios de la década de 1920, Adolf Ziegler conoció a Hitler en 1925 y más tarde recibió el encargo de pintar un retrato conmemorativo de la sobrina de Hitler, Geli Raubal, que se había suicidado. Fue nombrado profesor en la Academia de Munich en 1933, antes de ser nombrado jefe de la campaña nazi contra el arte degenerado (1933-7). En 1935 fue nombrado senador de Bellas Artes de la Cámara de Cultura del Reich y en 1936 presidente de la Cámara de Arte. En 1937 se había convertido en el pintor favorito de Hitler, y varias de sus obras, como "El juicio de París" y "Los cuatro elementos", fueron adquiridas por el Führer para sus residencias en Múnich. Antiguo admirador del expresionismo alemán (condenado con autoridad por Hitler en 1934), Ziegler era conocido por sus desnudos femeninos sin límites que representaban la figura aria supuestamente ideal, así como por una cantidad de pintura de género y obras alegóricas. Durante la guerra, Ziegler fue encarcelado en el campo de concentración de Dachau durante seis semanas después de expresar públicamente opiniones derrotistas.

Otras figuras destacadas en el campo de la arquitectura, la escultura y la pintura, favorecidas por los nazis, incluyen:

Reichskultursenator Leonhard Gall (1884 & # 1501952)
Reichskultursenator Hermann Giesler (1898 & # 1501987)
Clemens Klotz (1886 y # 1501969)
Wilhelm Kreis (1873 y # 1501955)
Ernst Neufert (1900 y # 1501986)
Bruno Paul (1874 & # 1501968)
Paul Schultze-Naumburg (1869 & # 1501949)

Fritz Klimsch (1870 y # 1501960)
Georg Kolbe (1877 y # 1501947)
Josef Thorak (1889 & # 1501952)
Kurt Edzard (1890 y # 1501972)
Fritz von Graevenitz (1892 & # 1501959)
Richard Scheibe (1879 y # 1501964)
Joseph Wackerle (1880 y # 1501959)

Claus Bergen (1885 & # 1501964)
Ludwig Dettmann (1865 & # 1501944)
Hermann Gradl (1883 y # 1501964)
Arthur Kampf (1864 & # 1501950)
Willy Kriegel (1901 & # 1501966)
Fritz Mackensen (1866 y # 1501953)
Alfred Mahlau (1894 & # 1501967)
Werner Peiner (1897 y # 1501984)
Philipp Rupprecht (1900-75)
Franz Stassen (1869 y # 1501949)

& # 149 Arte Biedermeier
Estilo de pintura sentimental y realista: un idioma germánico del siglo XIX cuyos elementos recuerdan a algún arte nazi (sin la política).

& # 149 Secesión de Berlín (1898)
Uno de los últimos movimientos artísticos del arte alemán del siglo XIX.

& # 149 Deutscher Werkbund (1907-33)
La Liga Laboral Alemana o Federación Laboral Alemana fundada por Hermann Muthesius (1861-1927), para mejorar el diseño de los productos alemanes.

& # 149 Museo de Arte Judío de Jerusalén
Contiene la colección más completa del mundo de arte, artesanías y artefactos religiosos asquenazíes, sefardíes y judíos orientales.

& # 149 Cronología de la historia del arte
Cronología y fechas importantes en la evolución de las artes y oficios.


Odditiques de Gin-For

Esta página está experimentando una revisión masiva. Las actualizaciones deben realizarse varias veces al día hasta que finalicen. Perdón por las deficiencias mientras tanto, pero creo que te resultará útil.

Consejos y trucos para identificar y fechar cerámica de Alemania Oriental y Occidental.

La era de la cerámica de Alemania Oriental y Occidental no se parecía a nada visto antes o después, pasando de las explosiones literales de la Segunda Guerra Mundial a la explosión de la creatividad que compensó décadas de represión artística y respondió a la ira y la desesperación con color y fantasía. Los políticos pueden intentar separarnos, pero los artistas nos unen y nos mantienen unidos. La estética cura casi tan bien como el ronroneo de un gato. Nunca dejes que los políticos te lo quiten.

En Gin-For's Odditiques, nos especializamos en cerámica de Alemania Oriental y Occidental superior a la media, más difícil de encontrar de empresas como Bay Keramik, Carstens, Ceramano, Dümler & Breiden, ES Keramik, Fohr, Gramann Römhild, Marzi & Remy, Otto Keramik, Ruscha, Scheurich, Silberdistel, Ü-Keramik y muchos otros. También intentamos tener una pista de lo que estamos hablando. Podemos distinguir a Carstens de Scheurich, y conocemos a un halcón de una sierra de mano sin importar en qué dirección sople el viento.

Recuerde que hay pocos absolutos con E. y W. Cerámica alemana, por lo que estos son solo consejos y trucos. La forma en que las empresas marcaban los artículos, la arcilla que usaban, el estilo de las letras y los sistemas de numeración variaban a veces. Esta es solo una pequeña muestra de las empresas y solo algunas de las bases que utilizaron. La variedad completa es abrumadora.


1920–1929

Los rugientes años veinte fueron una década histórica para el Museo, por dentro y por fuera. En 1920 se contrató al primer fotógrafo de plantilla y en 1922 se anunció la creación de una sala especial para la exposición y almacenamiento de grabados. Al año siguiente, el Departamento de Impresión se inició bajo la dirección de Arthur Edwin Bye, curador de Pinturas. En 1922 también se instaló la Tower Hill Room de Londres, comprada con fondos aportados por el Sr. y la Sra. John D. McIlhenny.

La construcción del nuevo edificio estaba progresando y, en 1923, se había completado la construcción de terrazas de la colina de granito en la que se ubicaría el Museo. Se habían colocado los cimientos del edificio, así como los amplios y ahora icónicos escalones que conducen a él desde el nivel de la calle. Este fue también el año en que el Museo comenzó a nombrar curadores profesionales específicos (en lugar de voluntarios) para sus diferentes áreas de estudio y coleccionismo.

Para 1925, se completó la mampostería exterior de los dos pabellones del Museo, dejando un vacío dramático entre las dos estructuras. Estas alas se construyeron a propósito primero para garantizar un flujo continuo de fondos de la ciudad para completar la estructura central de conexión. Sin embargo, incluso con el caparazón del edificio aún no completo, las galerías temporales se abrieron en el horario impuesto por las voluntades de William L. Elkins y su hijo, George W. Elkins, así como la de John H. McFadden. Sus magníficas colecciones de pintura habían sido legadas al Museo con la condición de que se preparasen galerías adecuadas en el edificio proyectado dentro de un período de tiempo razonable después de su muerte.

Fue en octubre de 1925 cuando el distinguido historiador de arte y arquitectura Fiske Kimball fue nombrado Director del Museo, en sustitución del Director Interino Samuel W. Woodhouse (quien había asumido el cargo en 1923 cuando el Director Langdon Warner dejó el Museo para ocupar un puesto en Harvard). . Al dedicarse al futuro desarrollo arquitectónico del interior del edificio, así como a la adquisición de objetos dignos del nuevo Museo y de la ciudad, Kimball marcó la pauta para una nueva era.

Creía que un museo debería "expresar la cultura artística del mundo en todos los medios, fusionando arquitectura, pintura, escultura y artes decorativas". En esta capacidad, imaginó un "paseo en el tiempo" para el nuevo edificio, en el que las obras de arte se instalarían juntas en espectaculares galerías realzadas con elementos arquitectónicos de época e interiores históricos. Si bien las "salas de época" existían antes, tanto en el Museo como en otros lugares, la visión general de Kimball y la meticulosa atención a la autenticidad fueron en muchos sentidos legendarios. Su enfoque integrado y contextual impulsó el plan de instalación y sigue siendo una característica distintiva de la institución en la actualidad.

En febrero de 1926, poco después de la muerte de uno de los primeros partidarios del Museo (y uno de sus benefactores más constantes y generosos), Exposición en memoria de John D. McIlhenny se abrió al público. Estas colecciones de pinturas, muebles y un grupo extraordinario de alfombras orientales entrarían en la colección permanente del Museo tras la muerte de la Sra. McIlhenny a principios de la década de 1940. Mientras tanto, el pórtico este tomaba forma dentro de los andamios y debajo del brazo de una grúa a vapor.

En julio de 1926, se completó la restauración de Mount Pleasant y la casa histórica se abrió al público, amueblada con suntuosos muebles de caoba del siglo XVIII, porcelana, vidrio, plata y elegantes reproducciones textiles. La inauguración se celebró con una exposición titulada Arte estadounidense en vísperas de la revolución. Un manual, titulado Mount Pleasant, fue publicado y vendido tanto en el Museo como en la casa por 25 centavos. Cedar Grove, la segunda casa histórica de Fairmount Park administrada por el Museo, se abrió al público como una "sucursal del museo de arte y arquitectura colonial" un año y medio después.

Con una inmensa cantidad de trabajo interior restante, pero con su ala exterior y norte que consta de veinte galerías del segundo piso dedicadas al arte inglés y estadounidense completas, el nuevo Museo en Fairmount abrió al público el 26 de marzo de 1928. Una exposición inaugural incluyó galerías dedicadas a las artes de Italia, los Países Bajos, Francia, Inglaterra y América, que presentan "no sólo pinturas, sino también obras de escultura, muebles, tejido de tapices, orfebrería y orfebrería y otras artesanías ...". También se abrieron galerías temporales de arte medieval, aunque el ala sur donde finalmente se alojarían aún no se había completado.

A ambos lados de estas galerías había salas de época recién instaladas, que se correspondían geográficamente, que llevaban "a Filadelfia el aire y el espíritu de un tiempo pasado ... la atmósfera de otra época". Entre estas habitaciones se encontraban una cocina y un dormitorio colonial de Pensilvania-Alemania de Millbach Township, Pensilvania, el salón de la casa de Samuel Powel, alcalde de Filadelfia durante la Revolución, una habitación neoclásica de Salem, Massachusetts, habitaciones de una de las casas más grandiosas de Inglaterra del siglo XVIII, Sutton Scarsdale Hall una habitación de Wrightington Hall y una habitación de la Casa del Tratado en Upminster, Inglaterra.

La llegada de la colección Charles M. Lea de unos 5.000 grabados y dibujos de maestros antiguos, incluidos excelentes ejemplos de grabados en alemán, italiano, holandés y francés, mejoró enormemente el departamento de grabados hacia finales de año, tanto que mensualmente Las exhibiciones de objetos selectos de esta colección en crecimiento comenzaron en febrero de 1929 en la Sala de Impresión (todavía ubicada en el Memorial Hall).

También en el invierno de 1929, el Museo celebró una serie de seis conciertos a través de un obsequio de la Sra. Mary Louise Curtis Bok. Estos conciertos fueron presentados por el Departamento de Música de Cámara del Curtis Institute of Music y tuvieron un éxito fantástico. Más de 30.000 personas asistieron a la primera temporada y la asociación entre el Instituto Curtis y el Museo continúa hasta el día de hoy. Fomentando el compromiso del Museo con el público, Fiske Kimball también fundó oficialmente la División de Educación este año.

El entusiasmo de Filadelfia por su nuevo Museo, cuyo nombre ahora fue acortado de Museo y Escuela de Arte Industrial de Pensilvania a Museo de Arte de Pensilvania, fue sorprendentemente evidente de inmediato. En mayo de 1929, se proclamó un récord de asistencia de un millón de visitantes durante su primer año. En este punto, el Museo funcionaba en dos edificios: el nuevo edificio en Fairmount albergaba la mayoría de las posesiones de arte europeo y americano del Museo, mientras que sus colecciones orientales imprimen y dibujos y estudian colecciones de cerámica, vidrio, metalurgia y Los textiles todavía estaban a la vista en el Memorial Hall.

In 1929, the commitment to acquire the collection of French art connoisseur Edmond Foulc--some 200 objects including impressive Gothic and Renaissance sculpture, furniture, and the magnificent marble and alabaster choir screen from the Chapel of the Chateau at Pagny--signified the largest single purchase ever undertaken by a Museum. Coming as it did just before the stock market crash and secured by an interest-free bank loan, the purchase, worth more than one million dollars, was one that may not have been made in the leaner days of the following decade. It was also in 1929 that the museum accepted responsibility for the management and care of the new Rodin Museum and two historic houses in Fairmount Park: Cedar Grove and Mount Pleasant.


The 69th Street Branch Museum

On Friday, May 8, 1931, the Museum embarked upon an innovative, if short-lived, experiment in reaching new audiences by opening a branch site at the 69th Street Community Center. Located just outside the city limits in Delaware County with Philip N. Youtz as Curator, the Branch Museum mounted 17 exhibitions during its operation—ranging from Chinese art to 19th-century American painting. It attracted 212,483 visitors in its first year, but despite its popularity and generous funding from the Carnegie Foundation and private donor John H. McClatchy, financial difficulties forced it to close permanently on October 17, 1933.


German Art: 1930-45 - History

Some ABG Doll Marks Identified

AB, ABG, A.B.G., A.B. & G., ALBEGO (used between 1930-1940), Deponiert, DRGM ABG, Germany, Germany No DEP, Germany # , Germany 6, JJO or JIO 1919, 1920 (for Jeanne I. Orsini), Made in Germany, Made in Germany N . , N o , #

George Borgfeldt distributed dolls with bisque heads by ABG: My Girlie doll mold 1362, Bye-Lo Baby doll molds 1369 and 1373, Bonnie Babe doll mold 1386 & 1393, Pretty Peggy (Grace Corry Rockwell design) 1391, doll mold 1402 (an Averill design), Baby Bo Kaye doll mold 1407, Gladdie doll mold 1410, Aero Baby o Fly Lo Baby doll mold 1418, Babykins dolls mold 1435. All these dolls are shown on the Borgfeldt page link.

K & K Toy Company - dolls with ABG bisque head molds are marked:

doll mold number (at top of head), Talla number (in centimeters), K & K, Made in Germany o

doll mold número, Germany, K & K, Talla número, Thuringia:

doll mold numbers 23 32 38 42 43 50

doll size numbers --- 39 45 56 58 60

All trademarks are respective of their owners and have no affiliation to this website

Doll Reference Copyright 2004-2021 all rights reserved including photos & content


German Art: 1930-45 - History

In 1853, Daniel Straub, a miller from Geislingen, joined forces with the Schweizer Brothers to form the "Metallwarenfabrik Straub & Schweizer" in Geislingen. This was the second company to be founded by Straub - previously in 1850, from the nucleus of a small repair workshop, which he had set up to work on the construction of Geislingen's famous railway incline, he had founded the Maschinenfabrik Geislingen. This company was involved mainly in manufacturing mill turbines and traded throughout Europe.
As early as 1862, the young company distinguished itself by winning a gold medal at the World Exhibition in London. In 1866, following the departure of the brothers Louis and Friedrich Schweizer, the company was renamed Straub & Sohn" (Straub & Son). The company showroom, built in 1868 in Berlin, gradually evolved to become the company's first retail outlet. Three years later, the company was already employing 60 workers. By 1880, the number of employees had grown to approximately 200 and the company was already producing 960 different items.
1880 saw the merger between Straub & Sohn and "Ritter & Co.", Esslingen, to form a public limited company under the name of Wurttembergische Metallwarenfabrik. At the time of the merger, Ritter & Co.'s Esslingen factory was already using the electroplating method of silver plating and had the more modern production facilities at its disposal. Straub's company, on the other hand, was the more profitable of the two.

1892 saw the development of a special technique for silver plating cutlery, whereby the silver is distributed in a way that, at the points of the cutlery most exposed to wear and tear, the coating is twice as thick as elsewhere. This process was patented and is still in use today. Known nowadays as 'Perfect Hard Silver plating' the technique remains exclusive to WMF. Under Carl Hugele the company gained international standing. At the turn of the century the factory in Geislingen employed 3,000 workers. By 1910, this number had already grown to 4,000, making WMF the largest company in Wurttemberg at this time. Sales catalogues were printed in twelve languages. Subsidiary companies in London, Warsaw and Vienna opened up export markets. Under the direction of Albert Mayer the WMF studio was influenced by the art nouveau style. The product range was modernized and considerably extended. In 1905 WMF acquired a majority holding of the Cologne company Orivit AG, which manufactured products from "Orivit", a tin alloy. As of 1925, products created by the Contemporary Decorative Products Department (NKA) made their debut on the market. This department was set up under the direction of Hugo Debach in order to establish the name of WMF amongst consumers interested in art and design. This department was responsible for producing the special "Ikora" finish, which has earned an important place in the annals of art history. The "Ikora" brand name referred to a specific method of treating the surface of the metal, by which layers of coating were applied in a partly chemical and partly heat induced process. A host of newly developed hand-finishing techniques enhanced the possibilities for adding decorative flourishes to the products. Despite being mass produced, every item looked as if it had been individually crafted. At the end of the war the company had lost its foreign assets, associated factories and retail outlets. The years following 1945 saw the start of a concerted effort to reconstruct in terms of personnel, organizational structures and technology in the remaining factory sites. The network of retail shops was rebuilt. Very soon, subsidiaries sprang up in the USA, Holland, Canada, Switzerland, Austria and Italy. By 1950, WMF staff numbers had again swelled to 3,000. Silverplated tableware and cutlery accounted for two thirds of WMF's turnover, with shops specialising in clocks and watches, gold and silverware representing the company's main customers. A shift in emphasis occurred at the end of the 1950s and was marked by an increase in the importance of Cromargan cutlery and hollowware. This period saw the creation of classic products, such as designed by Wilhelm Wagenfeld, which still feature in or have been reintroduced into the WMF collection. It also saw an increase in the volume of trade in household and kitchenware items between WMF and specialist retail shops. A number of stemware collections completed the WMF catalogue, followed by the development of an extensive range of products for the hotel and catering industry. By 1960, the Geislingen factory alone employed around 5,800 workers. A shortage of space and manpower at this site led to the setting up of additional branch factories, like the factory in Hayingen and Riedlingen.

ORIVIT 1894-1905 The ORIVIT AG was founded in 1894 as Rheinische Broncegieserei fur Kleinplastiken in Koln-Ehrenfeld by Wilhelm Ferdinand Hubert Schmitz ( 1863-1939 ) From 1896 they began with the making of luxury items the so called ORIVIT metal (89,85% pewter 7,9 % antimony 1,9 % copper 0,12 % silver ) In 1900 the factory changed its name to "ORIVIT AG fur Kunsthandwerkliche Metalwarenfabrikation". In 1901/02 they built a new factory in K ln- Braunfels and began with a revolutionary new press "the Huber Presverfahren" The factory has won several prizes: in Paris the gold medal at the world exhibition of 1900 in Dusseldorf in 1902 at the "Industrial Design Exhibition" and at the exhibition in St Louis (USA) 1904 they won 2 Grand Prix prizes and 1 gold medal. In 1905 the total financial collapse was a fact and the "Wurttembergische Metalwaren Fabrik" (WMF) bought ORIVIT . They produced items with the name ORIVIT until 1914. In 1906 the designs from the "Metalwarenfabrik ORION" became ORIVIT. The founder Georg Friedrich Schmitt (1856-1925 ) of ORION became the director in K ln. The designers of ORIVIT were: Hermann Gradl (1883-1964), Georg Grasegger, Walter Scherf (1875- 1909), Vicor Heinrich Seifert, Johann Cristian Kroner (1838-1911), Georges Charles Couldray

IKORA
Is a production line of WMF realized in 1927 by its NKA - Neue Kunstgewerbliche Abteilung (New Art-Commercial Department) under the direction of Hugo Debach, collector and passionate of Asian Art.
WMF realized under the mark Ikora Edelmetall a wide production of items in geometric style inspired to Art Dec and to Japanese Art in brass and nickel hand-decorated with enamel applied by fusion to the surface of the metal.


Auction Catalogues &ndash digitized

Within its special subject collection Art History the University Library of Heidelberg holds some thousand auction catalogues from various German and international auctioneers.

Within the scope of the project &ldquoArt – Auctions – Provenances. The German Art Trade as Reflected in Auction Catalogues from 1901 to 1929&ldquo, which was carried out from 1st March 2013 to 31th March 2019, auction catalogues published between 1901 and 1929 in Germany, Austria and Switzerland have been identified for the first time. An index of all catalogues forms the basis for further quantitative evaluation, for digitization as well as for making them available online free of charge. The auctions catalogues are the foundation for research on art-trade in the first third of the 20th century, on queries regarding collectors, on the development of taste as well as on single artists and genres. Moreover, they provide an ideal tool for research on provenances. The auction catalogues are scattered over numerous art and museum libraries.

Refined search functions including a full text search have improved the accessibility to material which up until now has been difficult to access. The Kunstbibliothek der Staatlichen Museen zu Berlin is a partner in this project which is financially supported by the German Research Foundation (DFG). Until June 2018 6,200 catalogues have been made available online.


German Expressionism

Assorted References

The German Expressionists, for instance, developed especially emphatic forms of drawing with powerful delineation and forcible and hyperbolic formal description notable examples are the works of Ernst Barlach, Käthe Kollwitz, Alfred Kubin, Ernest Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Max Beckmann, and George Grosz

…can be traced to the German Expressionist cinema of the silent era. Robert Wiene’s Das Kabinett des Doktor Caligari (1920 The Cabinet of Dr. Caligari) contains one of the best early examples of the lighting techniques used to inspire the genre. Wiene used visual elements to help define the title…

German Modernism emerged from turn-of-the-century Aestheticism. Like European Modernism as a whole, German Modernism was in fact a cluster of different literary movements, including Expressionism, Neue Sachlichkeit (“New Objectivity”), and Dada. Of these, Expressionism is the best known and most important. Beginning about 1910…

…films, which were influenced by German Expressionist cinema, the effect of horror was usually created by means of a macabre atmosphere and theme The Student of Prague (1913), an early German film dealing with a dual personality, and The Golem (1915), based on the medieval Jewish legend of a clay…

…to the movement known as German Expressionism. The films of this movement were completely studio-made and often used distorted sets and lighting effects to create a highly subjective mood. They were primarily films of fantasy and terror that employed horrific plots to express the theme of the soul in search…

…extremely varied school of Paris, German Expressionism was quite homogeneous and also much less international. The Expressionists were not united by an aesthetic theory but by their human attitudes and spiritual aspirations. Nearly all of them were active in printmaking, and, although they worked in every contemporary graphic medium, the…

…the first film in the German Expressionist movement.

…an artistic approach known as Expressionism they were interested in depicting their emotional responses to reality rather than reality itself. In music the rejection of tonality by composers such as Arnold Schoenberg, Anton von Webern, and Alban Berg broke a centuries-old tradition. At the juncture between popular and serious music,…

…an important medium to the German Expressionists, who, inspired by the vitality of medieval woodcuts, gouged and roughly hewed the wood to achieve a brutal effect. In the United States, woodcuts gained importance in the 1920s and ’30s through the illustrations of Rockwell Kent and artists working in the Works…

Contribution by

), German Expressionist painter and printmaker whose works are notable for the boldness and power of their symbolic commentary on the tragic events of the 20th century.

…have often been described as Expressionist. Despite such seeming similarities, Corinth opposed the rise of Expressionism by excluding its artists from Secession exhibitions. He later grew to accept Expressionism’s merits, however, and embraced its intensely emotional approach in his own work. In 1911 Corinth suffered a stroke which left him…

…Dresden, marked the beginning of German Expressionism. From this date until 1913, regular exhibitions were held. (By 1911, however, Die Brücke’s activities had shifted to Berlin, where several of the members were living.) The group also enlisted “honorary members” to whom they issued annual reports and gift portfolios of original…

…last great practitioner of German Expressionism and is often considered to be the foremost artist of social protest in the 20th century. A museum dedicated to Kollwitz’s work opened in Cologne, Germany, in 1985, and a second museum opened in Berlin one year later. The Diary and Letters of Kaethe…

…not involved in the German Expressionist movement, the emotionalism and elongated features of his sculptures have led critics and historians to associate Lehmbruck with Expressionism.

…Rider”), an influential group of Expressionist artists.

…notably the leading proponents of German Expressionism. Perhaps his most direct formal influence on subsequent art can be seen in the area of the woodcut. His most profound legacy to modern art, however, lay particularly in his sense of art’s purpose to address universal aspects of human experience. Munch was…


How the world loved the swastika - until Hitler stole it

In the Western world the swastika is synonymous with fascism, but it goes back thousands of years and has been used as a symbol of good fortune in almost every culture in the world. As more evidence emerges of its long pre-Nazi history in Europe, can this ancient sign ever shake off its evil associations?

In the ancient Indian language of Sanskrit, swastika means "well-being". The symbol has been used by Hindus, Buddhists and Jains for millennia and is commonly assumed to be an Indian sign.

Early Western travellers to Asia were inspired by its positive and ancient associations and started using it back home. By the beginning of the 20th Century there was a huge fad for the swastika as a benign good luck symbol.

In his book The Swastika: Symbol Beyond Redemption? US graphic design writer Steven Heller shows how it was enthusiastically adopted in the West as an architectural motif, on advertising and product design.

"Coca-Cola used it. Carlsberg used it on their beer bottles. The Boy Scouts adopted it and the Girls' Club of America called their magazine Swastika. They would even send out swastika badges to their young readers as a prize for selling copies of the magazine," he says.

It was used by American military units during World War One and it could be seen on RAF planes as late as 1939. Most of these benign uses came to a halt in the 1930s as the Nazis rose to power in Germany.

The Nazi use of the swastika stems from the work of 19th Century German scholars translating old Indian texts, who noticed similarities between their own language and Sanskrit. They concluded that Indians and Germans must have had a shared ancestry and imagined a race of white god-like warriors they called Aryans.

This idea was seized upon by anti-Semitic nationalist groups who appropriated the swastika as an Aryan symbol to boost a sense of ancient lineage for the Germanic people.

The black straight-armed hakenkreuz (hooked cross) on the distinctive white circle and red background of the Nazi flag would become the most hated symbol of the 20th Century, inextricably linked to the atrocities committed under the Third Reich.

"For the Jewish people the swastika is a symbol of fear, of suppression, and of extermination. It's a symbol that we will never ever be able to change," says 93-year-old Holocaust survivor Freddie Knoller. "If they put the swastika on gravestones or synagogues, it puts a fear into us. Surely it shouldn't happen again."

The swastika was banned in Germany at the end of the war and Germany tried unsuccessfully to introduce an EU-wide ban in 2007.

The irony is that the swastika is more European in origin than most people realise. Archaeological finds have long demonstrated that the swastika is a very old symbol, but ancient examples are by no means limited to India. It was used by the Ancient Greeks, Celts, and Anglo-Saxons and some of the oldest examples have been found in Eastern Europe, from the Baltic to the Balkans .

If you want to see just how deeply rooted the swastika pattern is in Europe, a good place to start is Kiev where the National Museum of the History of Ukraine has an impressive range of exhibits.

Among the museum's most highly prized treasures is a small ivory figurine of a female bird. Made from the tusk of a mammoth, it was found in 1908 at the Palaeolithic settlement of Mezin near the Russian border.

On the torso of the bird is engraved an intricate meander pattern of joined up swastikas. It's the oldest identified swastika pattern in the world and has been radio carbon-dated to an astonishing 15,000 years ago. The bird was found with a number of phallic objects which supports the idea that the swastika pattern was used as a fertility symbol.

In 1965 a palaeontologist called Valentina Bibikova discovered that the swastika meander pattern on the bird is very similar to the naturally occurring pattern visible on a cross-section of ivory. Could it be that the Palaeolithic makers of the figurine were simply reflecting what they saw in nature - the huge mammoth they associated with well-being and fertility?

Single swastikas began to appear in the Neolithic Vinca culture across south-eastern Europe around 7,000 years ago. But it's in the Bronze Age that they became more widespread across the whole of Europe. In the Museum's collection there are clay pots with single swastikas encircling their upper half which date back to around 4,000 years ago. When the Nazis occupied Kiev in World War Two they were so convinced that these pots were evidence of their own Aryan ancestors that they took them back to Germany. (They were returned after the war.)

In the Museum's Grecian collection, the swastika is visible as the architectural ornament which has come to be known as the Greek key pattern, widely used on tiles and textiles to this day.

The Ancient Greeks also used single swastika motifs to decorate their pots and vases. One fragment in the collection from around 7th Century BCE shows a swastika with limbs like unfurling tendrils painted under the belly of a goat.

Perhaps the most surprising exhibit in the museum is of fragile textile fragments that have survived from the 12th Century AD. They are believed to belong to the dress collar of a Slav princess, embroidered with gold crosses and swastikas to ward off evil.

The swastika remained a popular embroidery motif in Eastern Europe and Russia right up to World War Two. A Russian author called Pavel Kutenkov has identified nearly 200 variations across the region. But the hakenkreuz remains a highly charged symbol. In 1941 Kiev was the site of one of the worst Nazi mass murders of the Holocaust when nearly 34,000 Jews were rounded up and killed at the ravine of Babi Yar.

In Western Europe the use of indigenous ancient swastikas petered out long before the modern era but examples can be found in many places such as the famous Bronze Age Swastika Stone on Ilkley Moor in Yorkshire.

Some people think this long history can help revive the symbol in Europe as something positive. Peter Madsen, owner of an upmarket tattoo parlour in Copenhagen says the swastika is an element of Norse mythology that holds a strong appeal to many Scandinavians. He is one of the founders of last year's Learn to Love the Swastika Day on 13 November, when tattoo artists around the world offered free swastikas, to raise awareness of the symbol's long multicultural past.

"The swastika is a symbol of love and Hitler abused it. We're not trying to reclaim the hakenkreuz. That would be impossible. Nor is it something we want people to forget," he says.

"We just want people to know that the swastika comes in many other forms, none of which have ever been used for anything bad. We are also trying to show the right-wing fascists that it's wrong to use this symbol. If we can educate the public about the true meanings of the swastika, maybe we can take it away from the fascists."

But for those like Freddie Knoller who have experienced the horrors of fascism, the prospect of learning to love the swastika is not so easy.

"For the people who went through the Holocaust, we will always remember what the swastika was like in our life - a symbol of pure evil," he says.

"We didn't know how the symbol dates back so many thousands of years ago. But I think it's interesting for people to learn that the swastika was not always the symbol of fascism."

Pictures of the US Army biplane, of pre-war products from the US, and the Brooklyn Academy of Music are from the collection of Steven Heller.

Mukti Jain Campion is the producer and presenter of Reclaiming the Swastika on BBC Radio 4 at 11:00 on Friday 24 October - and on the BBC iPlayer for 30 days after broadcast.

Subscribe to the BBC News Magazine's email newsletter to get articles sent to your inbox.


Ver el vídeo: Довоенная Германия в цвете 1933-1936